Cada pieza animada que sale de la escuela pasa por las mismas estaciones: idea, tablero, set, captura y montaje. No hay atajos ni saltos de etapa, y eso es intencional. El orden sostiene el resultado.
Las fechas que aparecen abajo corresponden al calendario habitual de un taller trimestral. Los tiempos se ajustan según la complejidad del plano y la disponibilidad del grupo.
Se trabaja con lápiz y papel antes de abrir cualquier programa. El objetivo es cerrar la estructura narrativa: qué se mueve, en qué orden y por qué. Al final de la semana cada estudiante tiene un storyboard mínimo aprobado, con viñetas claras y notas de cámara.
Aquí se decide escala, materiales y anclajes. Se arman fondos intercambiables y suelos modulares para que la figura pueda moverse sin derribar el decorado. Es la etapa donde más se aprende sobre límites físicos: lo que no se sostiene en la mesa, no se sostiene en cámara.
Ritmo de trabajo constante: entre 8 y 12 fotogramas por segundo según el plano. Se revisa continuidad de luz, posición de figura y desgaste del set cada jornada. Los errores se corrigen en el momento, no en postproducción.
Se ensambla el material capturado y se ajusta la cadencia. Aquí se decide qué planos respiran y cuáles se aceleran. También se incorpora sonido básico y se revisa que la secuencia cuente lo que el storyboard prometía.
Proyección interna, comentarios del grupo y ajustes finales. La pieza se archiva en la galería audiovisual del estudio junto con sus notas de producción, para que sirva como referencia en talleres posteriores.
Antes de empezar conviene aclarar el terreno. Estas son las reglas que aplicamos en cada taller y proyecto, y las que explican por qué algunas cosas funcionan mejor de lo que parece a simple vista.
Cuando decimos animación nos referimos a movimiento construido cuadro por cuadro, no a ilustración con capas ni a motion graphics. Un plano puede durar dos segundos y necesitar veinticuatro decisiones distintas. Si vienes del dibujo tradicional, vas a reconocer el oficio, pero el ritmo de trabajo cambia por completo.
Trabajamos con figuras articuladas, recortes, objetos cotidianos y sets en miniatura. La técnica se adapta al material disponible. Lo que sí pedimos siempre es un set estable, luz continua y una cámara que no se mueva entre tomas. Sin eso, cualquier idea se cae en la edición.
Un tablero mínimo puede ser suficiente para un ejercicio corto, pero un proyecto de más de treinta segundos necesita planos resueltos antes de tocar el set. No aceptamos storyboards decorativos: cada viñeta tiene que responder qué cámara, qué acción y cuánto dura. Si no lo responde, la devolvemos.
Pedimos versiones, no copias. Cada revisión debe cambiar algo concreto: encuadre, cadencia, iluminación o continuidad. Repetir el mismo plano sin ajustes no cuenta como avance. Preferimos tres pruebas distintas a diez iguales, aunque la primera salga mejor que la tercera.
Una pieza de diez segundos bien animada puede llevar más horas que una de treinta mal resuelta. Ajustamos el alcance al calendario disponible desde el inicio. Si el plazo aprieta, reducimos planos o simplificamos el set; no aceleramos la captura ni saltamos la revisión de continuidad.
No enseñamos animación 3D, rigging digital ni producción con equipos grandes. Tampoco damos certificaciones oficiales ni garantizamos salida laboral. Lo que ofrecemos es práctica guiada, devoluciones concretas y una biblioteca de ejercicios que puedes reutilizar en tus propios proyectos.
Si algo de esto no encaja con lo que buscas, mejor saberlo ahora. Escríbenos y te decimos con franqueza si el taller o el proyecto tiene sentido para tu caso.